miércoles, 31 de octubre de 2012

El origen del nombre The Rolling Stones






       Son muchas las denominaciones con respecto al nombre The Rolling Stones. Como traducciones a nuestro idioma podemos citar "Cantos Rodados" o "Piedras Rodantes".
        De todas formas, esas son solo malformaciones de traducción ya que el término "Rolling Stone" esta dentro del lunfardo inglés y significa "Vagabundo".
        Brian Jones fue el que bautizó a la agrupación después de escuchar la canción "Rollin' Stone" del músico norteamericano de blues Muddy Waters.



Primal Scream - Kowalski





Festival de Glasnstombury (2005) ahora es el momento en que actúan Primal Scream . Este grupo es el más reconocido del género llamado "Rock Psicodelico", en el vídeo interpretando esta temazo "kowalki" incluido en su álbum  Vanishing Poin(1997), durante la actuación en el minuto 2:29 Gillespie, cantante del grupo, escupe a la cámara.


Nine Inch Nails- Love Is Not Enough






Aquí os dejo un ensayo de Trent y algunos mienbros de su banda "Nine Inch Nails" tocando su canción "Love Is Not" incluida en su disco With Teeth (2005),¿ Qué sería de esta industria sin Trent ?


Kasabian - Switchblade Smiles






Kasabian es una banda de esas que cuando la escuchas por primera vez quieres volver a escucharla .Este es el primer video del single de Kasabian, de su nuevo álbum"Velociraptor(2011)"el video  fue producido por el reconocido cineasta Charlie Lightening y dirigida por Aitor Throup.


martes, 30 de octubre de 2012

Jack White





Supergrass - Diamond Hoo Ha Man






Diamond hoo ha man, es el primer single oficial del sexto album de la banda, fue lanzado el 14 de enero del 2008 en formato vinilo de edición limitada (1500 ejemplares)


The White Stripes- Blue Orchid






Temazo por parte de White stripes ,Garage Rock en estado puro.Esta canción fue grabada en marzo de 2005 y publicada como primer sencillo de su quinto albúm Get Behind Me Satan, del cual también es la primera canción. En el vídeo actuó la modelo Karem Elson, con quién Jack se casaría en junio del 2005 y se divorciaría seis años después.


lunes, 29 de octubre de 2012

Nirvana - Live at Buenos Aires 1992





Concierto de Nirvana celebrado en el estadio José Amalfitani (Buenos Aires ) el 10/30/92 .Durante el recital Kurt y su banda deciden  no tocar su tema estrella "Smell like teen spirit "haciendo el amago en varias  en varias ocasiones, eso entre otras muchas travesuras.

Track List :

  0:00 unknown/Nobody Knows I'm New Wave
3:05 Aneurysm
7:34 Smells Like Teen Spirit (intro)
7:43 Breed
10:28 Smells Like Teen Spirit (intro)
10:37 Drain You
14:20 Beeswax
17:22 Spank Thru
20:33 School
23:14 Come As You Are
26:55 Lithium
31:05 Lounge Act
33:54 Sliver
36:40 About A Girl
40:05 Polly
43:32 jam
46:48 In Bloom
51:12 Territorial Pissings
54:30 Been A Son
57:07 On A Plain
1:00:11 Negative Creep (video cuts in)
1:02:48 Blew
1:07:40 All Apologies
1:11:23 Endless, Nameless

PJ Harvey - Man-Size






Gran Hits de PJ, cancion extraida de su segundo disco de estudio " Rid of Me "(1993) este albúm está producido por el famoso Steve Albini (Nirvana,  Pixies , Bush...)


Patti Smith - Smells Like Teen Spirit






Magnífica cover de esta gran artista  de la canción "Smell Like Tenn Spirit"(Nirvana), extraída de su  albún de estudio Twelve (2007).


El accidente que cambió la vida a Jim Morrison





La historia cuenta que en un viaje por el desierto realizado en 1949, Jim Morrison y su familia se encontraron con un aparatoso accidente automovilístico donde unos indios americanos estuvieron involucrados; la escena fue tan impactante para Morrison que varios años después afirmaba haber sido poseído por los espíritus de los indios que fallecieron aquel día.
A lo largo de su vida, fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas que se convirtió en un experto en el tema, interesándose por el chamanismo dada su estrecha relación con el peyote. Incluso escribió un tratado sobre drogas.
También se dice que se caracterizaba por sus pequeños bailes al estilo indio-chamánico. La leyenda dice que, si ves a un indio morir, su espíritu se encarna en ti.

miércoles, 17 de octubre de 2012

Led Zeppelin - Immigrant Song



Supertemazo de Led Zeppelin ..........

La guitarra de los 2 millones de dólares



En una lista de las guitarras más caras del planeta, la Fender Stratocaster de Jimi Hendrix ocupó uno de los primeros espacios, llegando a la formidable cifra de 2 millones de dólares.

El valor de ésta Fender Stratocaster en particular, yace en ser una de las dos guitarras que Jimi Hendrix quemó durante una presentación, en éste caso, tocando el tema "Wild Thing" en un show llevado a cabo en el London Astoria. Luego de incendiar con gasolina la guitarra, Hendrix fue trasladado a emergencias con quemaduras leves en sus manos; la guitarra, fue guardada por el bajista Noel Redding y enseguida escondida por el agente de prensa del cantante, Tony Garland, quien la guardó en el garaje de sus padres. Y con respecto a la otra guitarra que Jimi quemó, pues la pobre no sobrevivió a la travesura.

The Doors Documental 40 Aniversario De La Muerte De Jim Morrison





Maginifico documental sobre esta banda "The doors " y sobre su lider Jim Morrison.

martes, 16 de octubre de 2012

The Doors - Five to One


Canción interpretada por el grupo The doors y cantada por Scott Weiland.

Spacemen 3 - Revolution

  







A partir del minuto 4:25  golpea con la fuerza bruta de un tren de carga...


Ian Curtis según su viuda

El cantante de Joy Division quebró con su suicidio en 1980 la breve pero influyente trayectoria de la banda británica. Una antología del grupo y un libro escrito por su mujer renuevan su aureola. Ella, Deborah Curtis, nos desentraña al personaje.



Sería difícil encontrar un lugar más oscuro en la música que Joy Division. Su nombre, sus letras y su cantante fueron una nube negra tan grande como cualquiera del cielo". Bono, el vocalista e ideólogo de U2, definía así la banda de Manchester (1976-1980) al reconocerla como influencia clave. Parecido efecto tuvo en The Cure y otros contemporáneos, en cualquier hornada posterior de músicos desolados y, cómo no, en los actuales revivalistas (Interpol, Editors…) del post-punk de finales de los setenta.
El influjo de sus dos discos, Unknown pleasures y Closer, "áspera y turbadora mezcla de elementos viscerales y etéreos" (según The New York Times), sólo compite con la dimensión de icono y mito de su letrista y cantante suicida, Ian Curtis. La leyenda vuelve a agitarse en estos días gracias a un disco recopilatorio, The best of Joy Division (Warner), y la publicación en castellano de Touching from a distance: la vida de Ian Curtis y Joy Division (Metropolitan Ediciones), texto inspirador del filme de Anton Corbijn Control (2007), que ya pudo verse en el pasado festival de cine de San Sebastián.
Y nadie mejor que la autora del libro, Deborah Curtis (Liverpool, 1956), viuda de Ian, para desentrañar el misterio de su marido, el hombre que, con su grupo acariciando la fama, se quitó la vida a los 23 años. "Publiqué Touching from a distance en 1995 y me ayudó a cerrar heridas, pero sólo recientemente he empezado a comprender. Y en eso la edad y la experiencia han sido fundamentales", confiesa Deborah desde su domicilio británico. Pese a su timidez, disecciona las paradojas de Ian Curtis: el músico, por ejemplo, siempre mostró curiosidad por vidas poco convencionales, mientras que en la suya contraía matrimonio aún adolescente y cultivaba la fe en el Partido Conservador. "Quién sabe si sus ideas habrían luego cambiado, aunque sinceramente pensaba que, tras la terrible recesión vivida durante los años de gobierno laborista, los políticos conservadores contribuirían a un mejor futuro. Y en lo personal Ian lo quería todo, como la mayoría de los hombres: le atraía lo extraordinario y a la vez buscaba la seguridad de un hogar feliz".
La relación de la pareja no resultó fácil. Ian aparece en el libro como celoso y posesivo, además de inmerso en un romance con una joven belga: "Ahora pienso que los celos provenían de su inseguridad y su carácter vulnerable. Antes de que todo se fuera al garete, yo sentía que éramos un equipo invencible. Luego su enfermedad y nuestra incapacidad para lidiar con ella se interpusieron entre nosotros".
Al margen del debate sentimental de Ian (le había pedido a Deborah desistir de su demanda de divorcio la misma noche del suicidio), fueron la epilepsia y la depresión las que impulsaron el desenlace. "Creo que la depresión no se le trató como podía haberse hecho ahora. Y en la epilepsia se dio una coincidencia macabra: antes de padecer síntomas y por su trabajo en los Servicios Sociales, Ian ya era un experto en la enfermedad. Debió de sentirse aterrado al descubrir después que aquello también le pasaba a él". No fue la única premonición: su convulsa forma de bailar en el escenario, similar a los ataques epilépticos, se remontaba a años atrás. "Siempre quiso un estilo diferenciado, pero también creo que desprendía violencia, reflejo de cómo se sentía".
En directo con Joy Division, Ian padeció varios ataques (el público a menudo creía que formaban parte del show), y el ritmo de actuaciones, consentido por él, no favorecía su salud. Justo en vísperas de la primera gira estadounidense, decidió ahorcarse con la cuerda de la ropa. Nada extraño, teniendo en cuenta la sobredosis que meses antes había sufrido con un medicamento (de chaval había protagonizado otra, fruto de sus experimentos con las drogas) y lo que parecía desprenderse de las canciones de Closer, el álbum póstumo. Eso sin contar su etapa adolescente, en la que idealizaba morir joven. "Me cuesta mucho creer que al final mantuviera esas ideas románticas: estaba sufriendo de verdad", rebate Deborah.
Ian parecía obsesionado con el dolor durante la composición de Closer. Entre sus lecturas figuraba la morbosa Crash, de J. G. Ballard. Y los otros miembros de Joy Division admiten no haber captado las señales de alarma. Deborah al menos goza de coartada: nunca pudo escuchar las cintas. De hecho, después del primer álbum fue apartada de las actividades del grupo. "Cierto ayudante me llegó a soltar: '¡cómo vamos a tener a la mujer embarazada de seis meses de una estrella del rock delante del escenario!'. Y ahora, cuando veo a músicos presumiendo de hijos me entristece que Ian no esté aquí para hacerlo".
La única hija de la pareja, Natalie, es fotógrafa. "Empezó a disparar con sólo cuatro años. En uno de sus primeros recuerdos se ve sentada en el suelo de casa mirando unas instantáneas que Kevin Cummins le había hecho a Joy Division". Cummins y el holandés Anton Corbijn son los responsables de las imágenes en blanco y negro que fijaron el estatus del grupo, y especialmente de Ian Curtis, como iconos. Y Corbijn se ha pasado al cine para dirigir Control, coproducida por la propia Deborah: "Ian estaría contento si la viera".
El cantante vivió fanáticamente todo lo visual (en otro guiño tétrico, se había volcado con la portada funeraria de Closer). Sus relaciones con sus compañeros, Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris, posteriores triunfadores como New Order, fueron buenas: "Como una familia. Ian además les tenía musicalmente un tremendo respeto".



Black Box Revelation - "Lust Or Love"




Video Musical de "Lust Or Love"

lunes, 15 de octubre de 2012

Joy Division Interzone



Temazo de los Joy division ........

Muerte de Cliff Burton

Después del concierto Metallica tomo el autobús para dirigirse de Estocolmo a Copenhague, para su próximo concierto, que se programó para el 27 de septiembre de 1986. A principios de esa misma noche, la banda eligió cartas al azar para asignarse los puestos en que dormirían, ya que todos querían dormir en la cama asignada a Kirk Hammett. Cliff sacó un as de picas y, al ser el más alto, eligió dicho puesto. Alrededor de las 6:15 de la mañana, el conductor perdió el control del autobús y trató de enderezar el volante para volver a la carretera. El autobús empezó a patinar fuera de control y rodó varias veces antes de llegar a su fin. Cliff fue expulsado del autobús y éste le cayó encima. La banda salió del autobús y encontraron a Burton aplastado por el bus de la espalda hacia arriba. Según algunas versiones, Cliff murió instantáneamente al ser aplastado por el autobús. Más tarde, una grúa llegó para levantar el bus, la banda esperaba que Cliff pudiera haberse salvado, sin embargo, después de levantar el autobús, este se volvió a caer mientras la grúa lo levantaba, según Mick Hughes, ingeniero de sonido de Metallica, nadie estaba seguro de si Cliff seguía vivo en ese punto. Finalmente el bus es levantado y es sacado el cuerpo de Cliff, confirmando su muerte. Según el conductor, el vehículo derrapó debido a las placas de hielo que había en la carretera, lo que ocasionó el vuelco; James, furioso por lo sucedido, intentó golpearlo, siendo detenido por sus compañeros; posteriormente recorrió una distancia considerable de la carretera, buscando las mencionadas placas de hielo que el conductor había mencionado, aunque no encontró nada. El informe del accidente declara como causa de fallecimiento, una compresión toraxica con una contusión pulmonar, atestiguado por el doctor Anders Ottoson, médico certificado. El informe policial señaló que la temperatura del aire en el lugar fue de 3,7 ºC, sin embargo, no se hace mención alguna de hielo de la carretera. Luego del accidente el pasaporte de Cliff, E 159240, fue cancelado y devuelto a sus padres. Las pesquisas determinaron que el conductor, contra las especulaciones, no iba ebrio ni dormido. Cuando Cliff Burton murio los de Metallica se dirigieron a un hotel donde James solo señalaba "Cliff donde estas" una, y otra y otra vez, James rompio 2 ventanas del hotel porque estaba furioso y no sabia si seguir o no seguir en Metallica, los padres de Cliff lo convencieron de seguir con su carrera y además de hacer audiciones para reclutar a un nuevo bajista.

Lynyrd Skynyrd - Simple Man





Esta es una canción escrita para pasar a la historia,  con o sin la letra  la música es inquietante.

domingo, 14 de octubre de 2012

La adicción de John Frusciante

Frusciante desarrolló una fuerte adicción a las drogas durante sus cuatro años como miembro de los Red Hot Chili Peppers. Aparte de sus altas dosis de marihuana, el guitarrista se volvió adicto a la heroína.

Regresó a su casa en California y cayó en una profunda depresión, al sentir que no podría nunca más escribir o tocar música, y que su vida estaba acabada. Durante un largo período, se centró en la pintura y en la producción de cuatro canciones grabadas durante las sesiones de Blood Sugar Sex Magik. Para poder afrontar su depresión, comenzó a consumir aún más heroína, y su vida se vio amenazada por su adicción. Según Frusciante, su decisión de tomar heroína para curar su depresión fue clara: «Estaba muy triste, y estaba muy contento cuando tomaba drogas; por lo tanto, tenía que tomar drogas todo el tiempo. Nunca me sentí culpable, siempre estuve muy orgulloso de ser un adicto». El propio guitarrista explicó que su inspiración musical provenía de sus charlas con espíritus en forma de voces, ondas o cuerpos astrales. En sus propias declaraciones dijo: «Oh, es de donde viene mi música, de cuando yo formaba parte del espacio exterior. Mi música es una representación de seres de otras dimensiones que aparecen en mi cuerpo, me hablan y me dan ideas». 
Frusciante publicó su primer disco en solitario, Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt, el 8 de marzo de 1994. La mayoría de las canciones del álbum fueron grabadas cuando estaba ligado a la heroína en su apartamento de Hollywood. El disco fue grabado parcialmente durante las sesiones de Blood Sugar Sex Magik, y fue publicado a través de American Recordings. 
Un artículo publicado en el periódico New Times de Los Ángeles describió a Frusciante como un despojo humano y un esqueleto cubierto de piel, quien, al límite de su adicción, estaba cerca de morir por una infección sanguínea. Sus brazos estaban marcados por inyectarse mal cocaína y heroína, dejando abscesos permanentes. Permaneció los tres años siguientes encerrado en su casa de Hollywood, cuyas paredes estaban cubiertas de grafitis. Durante esta época, Johnny Depp y Gibby Haynes, amigos suyos, fueron a su casa y grabaron el documental Stuff, resaltando su escuálido estado. Además, su casa fue destruida por un incendio que quemó toda su colección de guitarras e hirió a Frusciante después de escapar. Su ex compañero Anthony Kiedis fue quien le prestó el dinero suficiente para que Frusciante se pudiese comprar otra guitarra. 
En 1997, el segundo álbum de Frusciante, Smile from the Streets You Hold, salió a la luz. En esta grabación se muestra el delicado estado de salud del guitarrista, quien tose durante parte de la grabación. El disco sirvió para recaudar dinero para costearse su adicción, aunque fue retirado del mercado en 1999 a petición suya. El guitarrista declaró en el año 2005 que tenía intención de volver a publicar el álbum en un futuro. 



Led Zeppelin - Live at the Royal Albert Hall 1970





Track List 
00:27 We're Gonna Groove (James A. Bethea, Ben E. King)
03:40 I Can't Quit You Baby (Willie Dixon)
10:36 Dazed and Confused (Jimmy Page)
26:09 White Summer (Page)
38:32 What Is and What Should Never Be (Page, Robert Plant)
43:11 How Many More Times (John Bonham, John Paul Jones, Page)
1:03:28 Moby Dick (Bonham, Jones, Page)
1:18:49 Whole Lotta Love (Bonham, Dixon, Jones, Page, Plant)
1:25:13 Communication Breakdown (Bonham, Jones, Page) 
1:29:29 C'mon Everybody (Jerry Capehart, Eddie Cochran) 
1:32:00 Somethin' Else (Bob Cochran, Sharon Sheeley) 
1:34:10 Bring It On Home (Bonham, Dixon, Jones, Page, Plant)


jueves, 11 de octubre de 2012

La ultima entrevista a John Lennon

Esta es parte de la entrevista que concedió John Lennon a la cadena radial RKO en la mañana del mismo día de su muerte. Fue transmitida en la mañana del día siguiente cuando el mundo ya sabía de la tragedia.



- ¿Le preocupa a Ud. la actual situación del mundo?
J.L. O vamos a morir o vamos a vivir. Si vamos a morir nos tendremos que hacer la idea y si vamos a vivir, tendremos que enfrentarnos con el hecho de estar vivos. Así que preocuparse por si se va a derrumbar la bolsa o si el Apocalipisis va a caer sobre nosotros bajo la forma de una gran bestia, no nos va a hacer mucho bien en la vida cotidiana.

- ¿Entonces que propone Ud.?
J.L. Mire, yo hablo a la gente que ha pasado por lo mismo que hemos pasado nosotros, los grupos de los sesenta que hemos sobrevivido... que hemos sobrevivido a la guerra, a las drogas, a la política, a la violencia en las calles. A ellos yo hablo; a las mujeres, pues mi canción a Yoko (Woman) es para todas las mujeres. Lo que nos mostraron los sesenta fueron las posibilidades que había y la responsabilidad que teníamos todos. Aquello no era la respuesta. Posiblemente en los ochenta todos diremos: bueno, vamos a volver a proyectar el lado positivo de la vida.

- ¿Cómo?
J.L. Lo único que pedimos es que se le dé una oportunidad a la paz. Esto es lo que me salió espontáneamente cuando un periodista me volvió a preguntar, como lo habían hecho en millones de ocasiones: ¿Qué es lo que Ud. está haciendo? Bueno, pues yo lo que le repito es que le demos una posibilidad a la paz. Y no es que yo tenga una respuesta o proponga una nueva organización para la sociedad, porque eso no es cierto, no creo que nadie la tenga. Y, si hay alguien, que me muestre el plan, como se dice en la canción "Revolution".

- Lo noto un poco nervioso, ¿por qué asume una posición tan defensiva?
J.L. Uno no puede ser tal como es cuando está ante el público, precisamente porque está frente a él. Uno tiene que mostrarse un tanto defensivo, o como se le quiera llamar a esta actitud.

- ¿Cómo es que en los últimos años se ha convertido Ud. en una especie de "amo de casa"?
J.L. Ahora soy mucho más feminista de lo que era cuando cantaba "Woman is the nigger of the world" (La mujer es lo negro de este mundo). Antes era feminista de un modo intelectual, pero ahora creo que estoy actuando del modo en que antes sólo pensaba. O sea, que estoy viviendo tal como predicaba.

- ¿No será todo un esto un simple truco publicitario?
J.L. No quiero volver a vender mi alma, como antes, para tener un disco que sea un éxito. He descubierto que puedo vivir sin eso y que esto me hace más feliz. Así que no voy a tratar de crear una persona que no sea yo.

- ¿Por qué no grabó discos en los últimos cinco años?
J.L. Tras quince, casi veinte años de estar bajo contrato y tener que producir dos álbumes cada año y un simple cada tres meses, sin importar cómo era tu vida familiar, o como te iba en la vida; pues todo eso no contaba... uno tenía que producir esas canciones, fuera como fuera. Y eso así no podía seguir...

- Hablemos de su nuevo disco.
J.L. Espero que les guste a los jóvenes, pero con quien realmente estoy hablando es con gente que creció conmigo... a esos les estoy diciendo que yo ahora estoy aquí. ¿Cómo estas tú? ¿Cómo van tus relaciones? ¿Lograste superar todo aquello? ¿Verdad que los sesenta fueron una mierda? Así que aquí estamos, vamos a intentar superar también los ochenta.

- ¿Cómo es que Ud. y Yoko han sido siempre tan cortantes?
J.L. Siendo artistas, cuando nos dirigimos a un sitio, no parábamos hasta llegar allí. Y a donde queríamos llegar era justamente aquí, a primera línea. Eso es lo que siempre le hemos dicho a todo el mundo y ahora que estamos aquí, queremos seguir hasta el final.

- ¿Es cierto que su filosofía de todos estos años se podría resumir con la palabra "amor"?
J.L. Nuestra lucha ha sido una lucha por el amor y para ser amados y por expresar esto. Hay algo en el amor que es realmente fantástico y aunque no soy siempre una persona que ama, quiero serlo tanto como sea posible.

- ¿Es cierto que ha basado su vida en una actitud mental positiva?
J.L. Todos nosotros hemos sobrevivido a Vietnam y al Watergate y a las tremendas convulsiones de este mundo que ha cambiado. Nosotros éramos los "progres" de los sesenta, pero el mundo ya no es como el sesenta. Todo ha cambiado y nos estamos dirigiendo hacia un mundo desconocido. Pero como estamos vivos hay que pensar que... mientras haya vida hay esperanza.

- ¿Considera que el album "Double Fantasy" es un nuevo inicio para Yoko y Ud.?
J.L. Sí, creemos que es un nuevo inicio, se trata de nuestro primer LP. Ya sé que hemos trabajado antes juntos... pero creemos, yo en especial, que éste es nuestro primer trabajo discográfico. Que nunca antes habíamos hecho una cosa así. En efecto, es el inicio.

- ¿Qué dijo la gente cuando usted se relacionó con Yoko y con el tipo de arte que ella creaba?
J.L. La gente decía: "¿qué es lo que están haciendo?". "Esa bruja japonesa lo ha hechizado y lo está volviendo loco". Pero lo único que hizo fue sacar de mi interior esa fantasía, ese vigor de mi alma que hasta entonces yo había tenido inhibido.

- ¿Cómo se inició su colaboración con Yoko?
J.L. Antes de conocerla estaba metida contra la guerra, protestaba, gritaba en un saco negro en Trafalgar Square. Y cuando nos conocimos hablamos de lo que queríamos hacer juntos. Y lo que queríamos era seguir con mi manera de ser y mi amor-amor-amor y con su manera de ser y su paz-paz-paz.

- ¿Necesitaba usted a Yoko?
J.L. La necesitaba mucho, muchísimo. Quería estar con ella y realmente no podía sobrevivir sin ella. No podía seguir funcionando como ser humano. Cuando nos separamos me hice pedazos.

- ¿Cómo es usted como padre?
J.L. No trato de ser una figura todopoderosa... por el contrario siempre estoy sonriendo y trato de ser un padre maravilloso. No trato de hacer ver que lo sé todo, pues nadie sabe nada sobre los niños. Uno lee los libros sobre el tema y ve que no hay expertos en esto. Todo el mundo tiene una opinión distinta y uno aprende por la experiencia. Ya he cometido muchos errores... ¿cómo uno puede evitarlos?

- ¿Esto lo deprime?
J.L. Sí me deprime, mi hijo acaba de captarlo y también él se deprime. Así que ya no se pueden sentir depresiones "artísticas". Así que ahora, si ahora veo que me estoy metiendo en una depresión, ni siquiera puedo disfrutar de ella porque hay veces que uno disfruta cuando está deprimido.

- Entonces, ¿no está deprimido ahora?
J.L. No. Me siento como un chiquillo al pensar que me quedan tantos años por delante con Yoko y nuestro hijo (Lennon hace una pausa). O al menos, eso es lo que espero.

- ¿Piensa en la muerte?
J.L. Espero morir antes que Yoko porque si ella muriese yo no sabría como sobrevivir. No podría seguir adelante.

(Horas después John Lennon fue asesinado)

Jimi Hendrix - Live at Woodstock '69


Tracklist:
1. Intro
2. Message to Love
3. Hear My Train A Comin
4. Spanish Castle Magic
5. Red House
6. Lover Man
7. Foxy Lady
8. Jam Back at the House
9. Izabella
10. Fire
11. Voodoo Child (Slight Return)
12. The Star Spangled Banner
13. Purple Haze
14. Woodstock Improvisation
15. Villanova Junction
16. Hey Joe

Whitney Houston...De cisne negro a juguete roto



 La historia de la música negra está plagada de biografías calamitosas, de vidas truncadas y paseos por el lado salvaje. No parecía, en todo caso, que ese fuera a ser el destino de Whitney Houston, nacida el 9 de agosto de 1963 en Newark (New Jersey) en una familia de gran raigambre musical. Hija de Cissy Houston, prima de Dionne Warwick y ahijada de Aretha Franklin, tenía el pedigrí perfecto para poder ofrecer un espumoso cóctel de gospel, pop y soul y servirlo a través de una voz bendecida por los dioses. Nada hacía pensar que quien estaba destinada a rivalizar con Madonna por el trono de reina del pop (llegó a tener su propia muñeca Barbie) iba a seguir finalmente los pasos errabundos de alguien como Billie Holiday. Su adicción a las drogas y su larga serie de equivocaciones (en su vida y en su carrera) hicieron que pasara de ser un bellísimo cisne negro a convertirse en un juguete roto.

Desde niña mostró su pasión por la música cantando gospel en el coro de la iglesia, como tantas otras cantantes de color. No tardaría en poner su voz en discos de Michael Zager Band, Chaka Khan y Jermaine Jackson. Pero lo que quizás pocos saben es que en sus inicios cantó una emocionante versión de “Memories” de Robert Wyatt en “One Down” (1982), un disco del proyecto de avant-funk Material, liderado por Bill Laswell. Fue el preludio a una trayectoria que se inició con un primer álbum, “Whitney Houston” (1985), al que seguiría dos años después “Whitney”, que incluyó su primer gran hit internacional, “I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)”, un burbujeante tema en la onda de Exposé, Cover Girls y otras artistas del por entonces exitoso latin freestyle.



 Y así es como llegó su época dorada: el lanzamiento de su tercer disco, “I'm Your Baby Tonight” (1990), su actuación en la Super Bowl cantando el himno norteamericano (1991), su flamante boda con el rey del new jack swing Bobby Brown (1992) y el gran pelotazo internacional con su doble faceta de cantante y actriz en el filme “El guardaespaldas” (1992) junto a Kevin Costner. La cinta incluía su megahit planetario “I Will Always Love You”, una versión de Dolly Parton por la que la Houston será considerada siempre culpable de las negro-affectations que muestran las participantes de todos los concursos de talentos del mundo. En esa época competía con Mariah Carey y Céline Dion por el título de reina de los gorgoritos mientras saboreaba las mieles del triunfo masivo.
Pero tras su participación en el filme “La mujer del predicador” (1996) junto a Denzel Washington y la edición de “My Love Is Your Love” (1998), su disco más próximo a la estética del hip hop y el R&B contemporáneo, comenzó su travesía del desierto, sus flirteos con las drogas, sus continuas peleas con Bobby Brown y, lo que es peor, la pérdida progresiva de su maravillosa voz, que le supondría cancelaciones de giras, abucheos en conciertos y el descalabro definitivo de su carrera, que, a pesar de todo, continuó con discos irregulares como “Just Whitney” (2002), el navideño “One Wish: The Holiday Album” (2003) y su último trabajo, “I Look To You” (2009), que, milagrosamente, logró llegar al nº 1 de las listas norteamericanas.
El 11 de febrero fue encontrado su cuerpo en una bañera del hotel Beverly Hilton de Los Ángeles, donde la diva caída se preparaba para asistir a una fiesta previa a la ceremonia de los Grammy, que ha estado marcada por su recuerdo. A Bobby Brown le sorprendió la noticia mientras cantaba en Mississippi y solo acertó a lanzar un beso al cielo mientras le decía “I love you, Whitney”. Así se apagaba una de las voces más radiantes del universo negro y la que mejor representaba esa curiosa combinación de artificio y emoción



La música y las drogas

Hay una relación frecuente, y se ponen ejemplos como el que hubiera sido de Kurt Cobain sin la heroina, un caso en el que muy probablemente el abuso de drogas lo llevó a la depresión que a su vez provocó que se quitara la vida. O de otros casos mediáticos como Britney Spears actualmente, que quizás ha estado abusando de substancias en los últimos años y parece estar al borde de un quiebre de psicosis con su imparable comportamiento.


Otro reciente es el del hombre de la foto, Pete Doherty, quien logró gran éxito con The Libertines pero su consumo eventualmente lo llevó a tener conflictos irreconciliables con Carl Barat y bueno, con la vida en general. Hay varios ejemplos en la historia del rock de bandas que sobrevivieron el uso, como el de Aerosmith, gran banda pero me atrevería a decir que después de su etapa de más uso de heroina perdieron algo y nunca llegaron al mismo punto de genialidad.

También me pone a pensar en los trastornos mentales en los que quedaron gente como Syd Barrett o Brian Wilson, después de haber creado genialidades, cayeron en el abuso al punto de desatarse enfermedades que de por vida no les permitieron ser los mismos. Ambos sufriendo de variantes de esquizofrenia pero a la vez recibiendo crédito por su importante labor en la creación artística del curso del rock y logrando grandes cultos detrás.

Varias de las bandas de rock norteamericanas más exitosas de los ’90s tuvieron integrantes adictos a la heroina. Nirvana, Hole, Smashing Pumpkins, Alice in Chains, y los Stone Temple Pilots todas tienen ejemplos y eso no fue impedimento para un éxito rotundo en la corriente principal en su momento, aunque a Layne Staley lo llevara a la muerte. En el metal, es sabido que gente como Phil Anselmo de Pantera casi muere de una sobredosis.

Y tampoco se puede olvidar el caso de John Frusciante, guitarrista de los Red Hot Chilli Peppers, cuya adicción lo llevó a encerrarse y tirarse a la mierda (algunos momentos tristemente grabados en video y documentados), y tuvo que ser expulsado de la banda durante un tiempo. Es argumentable, pero desde que regresó, ha perdido su nivel.

Históricamente han formado parte de la música, se dice que los Beatles no hubieran dejado de hacer canciones de pop de tres minutos si no hubieran entrado en contacto con los psicotrópicos. Y por supuesto que su uso se extiende a muchos géneros musicales, por ejemplo en el jazz, genios como John Coltrane que abusó del alcohol, la heroina y el LSD antes de morir de cáncer.

El artículo menciona algunos compositores que usaron drogas y que al dejarlas no perdieron su nivel de creatividad, así como Wayne Coyne (de los Flaming Lips), Tom Waits y Nick Cave. Es bueno pensar que no todos las necesitan para llegar a su mayor nivel de expresión en cualquier disciplina artística, no sólo en la música. La experimentación que fácilmente puede convertirse en dependencia, además de jamás ignorar el efecto degenerativo y claro deterioro al que llegan los de mayor uso. ¿Tu qué opinas?


miércoles, 10 de octubre de 2012

Los excesos de Freddie Mercury: Noche de Sábado en Sodoma





La fiesta por antonomasia de los excesos la celebró Queen para el lanzamiento de su disco Jazz el 31 de octubre de 1978, en el Hotel Fairmont de Nueva Orleáns, tras el tercer concierto de su gira estadounidense de aquel año. 400 invitados, entre los que se encontraban 80 periodistas traídos de todas partes del mundo, fueron conducidos a la orgía de sus vidas, que no reparó en ningún tipo de gastos y que se dio en llamar Noche de Sábado en Sodoma. Un grupo de enanos recibía a los asistentes con bandejas de cocaína en sus cabezas importada directamente de Bolivia. Camareros y camareras desnudos servían todo tipo de alcohol, langostas, ostras, el mejor caviar…
Entre las distracciones, modelos que peleaban en baños de hígado crudo, enormes mujeres de color que fumaban por los orificios más impensables, artistas desnudos de ambos sexos colgados de grandes jaulas, guerreros zulúes, contorsionistas, bailarines transexuales, brujos, come-fuegos, encantadores de serpientes, una mujer que se ofrecía para decapitarse a sí misma con una motosierra a cambio de una suma elevada, un hombre que desnucaba gallinas vivas a mordiscos… Y en los servicios, profesionales de ambos sexos prestando ‘servicios orales’ a todo aquel que se lo pidiera. Como dijo Freddie Mercury -y la fiesta se encargó de certificar-, “no voy a ser una estrella, voy a ser una leyenda”.

El club de los 27



Jimi Hendrix, Kurt Cobain y Amy Winehouse son parte de un grupo de talentosos músicos que murieron a los 27 años. Esta coincidencia entre varios famosos ha dado pie a la llamada “maldición de los 27 años”.

Muchos han llorado la partida de talentosos músicos con grandes pero cortas trayectorias. Con carreras brillantes por delante, por lo menos 5 famosos artistas han fallecido a la edad de 27 años.

Por esta razón se habla de la “maldición de los 27 años” que no permite que importantes figuras de la música continúen su vida. ¿Será coincidencia o existirá tal maldición?

Amy Winehouse. Es el más reciente de los casos de víctimas de la “maldicion de los 27 años”. Fue encontrada muerta el 23 de julio de 2011 en su departamento en Londres. Su talento innegable se apagó por una vida de excesos y adicciones.



Jimi Hendrix. Considerado por muchos como el mejor guitarrista eléctrico de la historia, Jimi Hendrix influenció a varios músicos modernos con su estilo innovador. Y logró este reconocimiento en su corta carrera.

Hendrix falleció a los 27 años debido a una intoxicación e inhalación de vómito. Hace un par de años, un técnico que acompañaba al músico en sus giras, escribió un libro sobre la vida backstage. En la publicación dijo saber que Jimi Hendrix había sido asesinado por su manager para cobrar el seguro de vida.




Brian Jones. Fundador de los Rolling Stones, guitarrista y principal instrumentalista fue despedido de la banda unas semanas antes de su muerte. A pesar de no aparecer como compositor en los títulos más importantes, sí fue muy importante para el nacimiento y crecimiento de los Rolling Stones.

Brian Jones falleció también a los 27 años ahogado en su piscina. Se declaró que la causa de su muerte se debió a un ataque de asma mientras nadaba. Sin embargo no fue del todo aclarado y quedó como un misterio.




Janis Joplin. Este símbolo femenino de los cambios de los 60 y del movimiento hippie falleció de sobredosis a los 27 años. Fue una importante figura del rock and roll y del blues. Estuvo en tres importantes bandas de la época.

Janis Joplin fue la primera mujer en ser considerada una gran estrella de rock and roll, pero su talento se vio opacado por sus problemas con las drogas y el alcohol.





Jim Morrison. El cantante principal de The Doors es considerado uno de los mejores cantantes de la historia de la música. Su desplante en el escenario era algo muy comentado e incluso lo llevo a juicio en Miami por exhibicionismo y comportamiento lascivo.

El llamado “rey lagarto” falleció también a los 27 años. Fue encontrado en la tina de su departamento en Paris. Existen muchos testimonios sobre la causa de la muerte de Morrison, pero finalmente se declaró un paro cardiaco. No se le practicó autopsia.








Kurt Cobain. El cantante, compositor y guitarrista de Nirvana transformó junto a su banda el rock en los 90. Nirvana marcó el cambio al grunge y el rock alternativo en la escena musical.

El éxito convirtió la canción “Smells like teen spirit” el himno y a Kurt Cobain en el portavoz de la rebelde “Generación X”.

Cobain fue encontrado muerto en su casa a los 27 años por un disparo de escopeta. A su lado había una nota suicida, pero su muerte se ha convertido en un debate hasta el día de hoy.

Cobain fue encontrado muerto en su casa a los 27 años por un disparo de escopeta






Iggy Pop - I wanna be your dog (Olympia)

Foals - This Orient Live In Session

Johnny Cash Hurt

VIOLENT FEMMES Kiss Off